O diretor Mussa José Assis fez mudanças na redação e no final de 2004 assumi a editoria de Política, na qual fiquei até o jornal O Estado do Paraná encerrar as atividades no dia 6 de fevereiro de 2011, quando saiu sua última edição. Foi a minha mais longa função em quarenta anos de jornalismo. Mesmo editor de política, fiz crônicas para a coluna Notas da Redação. Mas não era mais seu editor. Três anos e alguns meses depois, no começo de 2006, a coluna chegou ao fim. Me aborreci. A coluna me deu algo. Contato com o leitor com texto literário. Coisa que não tive antes. Sem contar que desde setembro de 1991, quando fui de Maringá a Londrina, exerci função de editor e não fiz reportagens. Era raro texto assinado. Para o público externo o jornalista some. As crônicas eram uma janela. Por isso a insatisfação.

A coluna estimulou tanto que em janeiro de 2004 abri blog no portal Zip Net. O título Fahrenheit foi homenagem a Ray Bradbury. Fiz do blog arquivo para a coluna. Ele era lido e dava retornos de eventuais leitores. E como entrou no radar do blog Factorama, interessante experiência de jornalismo em Maringá, o Marcelo Bulgarelli, editor de Cultura de O Diário do Norte do Paraná, me localizou e deixou recado com telefone para eu ligar. Ele propôs usar material do blog em coluna semanal de crônicas. Gostei da ideia, mas sugeri fazer crônicas especiais para o jornal. Ele gostou. Mas tinha um problema. E não era pequeno. O Mussa Assis acabara de fechar a coluna Notas da Redação. Se aceitasse a colaborar em outro jornal ele poderia interpretar como desacato. Disse para Marcelo que meu nome não podia aparecer. Ele achou estranho porque não expliquei o motivo. Mussa considerava O Diário concorrente, embora distante. Resumindo: eu poderia ser demitido por justa causa. Sem direito a sacar FGTS. Seria trágico.

Marcelo topou mas pediu para eu fornecer e-mail de contato, foto do autor e escolher o nome da coluna. Sugeri Fahrenheit, nome do blog. E duas opções: Dr. Estanislaw e Ogro da Zona Dois. Ele escolheu a primeira. Eu tinha três e-mails. O pessoal para os amigos (yeats@ibest.com.br), um do jornal e o terceiro do blog (edilson.fahrenheit@gmail.com). Não podia usar nenhum que tivesse meu nome, por isso usei o primeiro para contatos da coluna. A foto para a coluna foi fácil. Usei do William Butler Yeats, já que era o nome dele que estava no e-mail. E assim criou-se clima de mistério. Que ficou maior porque espaço para escrever em jornal era ambicionado por ser meio de o autor divulgar nome, foto e trabalho. No caso do Fahrenheit não aparecia o verdadeiro autor, embora muitas pessoas acreditassem que o sujeito de óculos e cara de pastor luterano fosse quem escrevia as crônicas.

Quanto aos assuntos, não poderia relatar histórias que ouvia nos ônibus em Curitiba. E tampouco abordar o dia-a-dia de Maringá, do qual me afastei em setembro de 1991. Então restaram as histórias de infância, juventude e começo da vida adulta. Morei na cidade trinta e três anos. Casei e tive três filhos em Maringá. As histórias que ouvi e cenas que vi na infância e juventude precisavam de um lugar melhor e mais confiável que a memória. A coluna Fahrenheit era o lugar apropriado. Eu não esperava grande impacto. Fiquei surpreso quando Marcelo disse que leitores de O Diário e pessoal da redação gostaram. O mistério funcionou para atiçar a curiosidade.

Recebia mensagens por e-mail. Em uma delas o amigo de adolescência padre Orivaldo Robles dizia que era leitor fiel e me considerava o Nelson Rodrigues do Paraná. Outra de meu amigo Kaltoé informava o que aconteceu com alguns personagens. E muitas de quem não conhecia. Mas não podia me identificar por razões que expus. Mais tarde Kaltoé me contou como velhos amigos seus tentavam sem sucesso descobrir quem era o autor das crônicas. E faziam as mais variadas suposições. Mas nada é perfeito. A primeira decepção foi no dia 17 de fevereiro de 2007, quando recebi e-mail do Marcelo dizendo que fora demitido naquela manhã. Minha intenção inicial foi cair fora. Afinal, ele me convidou. Ele achou bobagem e acabei ficando. O que ajudou a manter o empenho foi Jary Mércio, que ficou no lugar do Marcelo. Era um cara bacana. O ritmo seguiu. E tudo parecia ir bem quando a certa altura senti que as histórias de infância e juventude na memória estavam acabando. Ia chegar um momento em que não teria o que contar.

Foi então que notei que ao longo das semanas criei quatro ou cinco personagens e um estilo que pediam desenvolvimento. Resolvi escrever um romance sobre os anos 70 em Maringá. E para não correr risco de ter material plagiado, como aconteceu em pelo menos duas ocasiões, passei a fazer um capítulo para a coluna e outros dois guardava. Com isso teria um terço de material publicado. A coluna fornecia disciplina para não interromper o romance. Assim escrevi “A garota da cidade”. O romance não seria escrito não fosse a coluna. Enquanto escrevia crônicas recordei personagens da cidade, como o pastor velhaco que enriqueceu expulsando demônios, o traficante que enriqueceu exportando cocaína dentro de queijos mussarela, o contrabandista de calças Lee, o jornalista que trancou o carcereiro na cela, o sujeito que do anonimato virou deputado e o funcionário do necrotério.

O pano de fundo eram os anos 70 em que não se podia falar em liberdade, mas podia ir uma banca e comprar uma Status, Ele & Ela ou Playboy para depois bater uma bronha balsâmica desde que não fosse no dia 18 de julho de 1975. Neste dia fez tanto frio que as pirocas ficaram enroladas na cueca. Um dia, Jary Mércio disse que também estava indo embora. Era sinal de um ciclo que se fechava. O livro estava escrito, as histórias acabaram e não tinha mais com quem me entender no outro lado da linha. No dia 29 de outubro de 2008 o Sr. Fahrenheit também se foi. Mas deixou uma semente que usei na Tribuna do Paraná dois anos depois com a coluna Folhetim e cinco anos depois com a coluna Pelas ruas da cidade, também de crônicas. Folhetim me rendeu cinco livros. E no total, entre uma coluna e outra, escrevi cerca de mil crônicas.

A primeira parte deste relato foi publicado ontem, neste mesmo endereço.

Entramos em abril. Como diria Thomas Stearnes Eliot: “Abril é o mais cruel dos meses, germina lilases da terra morta, mistura memória e desejo, aviva agônicas raízes com a chuva da primavera”. Primavera no Hemisfério Norte. Pra nós do Hemisfério Sul é outono. Nunca um poema foi tão profético. Para o hemisfério de cima ou o de baixo. Este abril vai entrar para a história como um dos mais cruéis meses de abril.

Estou exilado ou isolado em casa. Tenho de me movimentar para não cair na melancolia. Como tenho monte de coisas empacotadas, uma das formas agradáveis de passar o tempo é desempacotar e conferir o que empacotei. Hoje encontrei dezenas de crônicas feitas para O Diário do Norte do Paraná. Para a coluna Fahrenheit. Ela começou com um convite do Marcelo Bulgarelli, editor de cultura do jornal que passava por reforma gráfica e editorial e viveu talvez a melhor de suas inúmeras fases.

O convite foi no início de abril de 2006. Enviei a primeria coluna no dia onze. A história da coluna é tão longa que se for pegar todas as nuances dá um livro. Vou tentar abreviar ao máximo. Mas tenho que voltar a setembro de 1991, quando me mudei de Maringá para Londrina, para ser editor de primeira página da Folha de Londrina. Eu sequer suspeitava que iria viver seis anos maravilhosos. Os primeiros meses foram de trabalho duro. Mas o José Eduardo de Andrade Vieira comprou o jornal e minha jornada foi drásticamente reduzida sem redução de salário. Que coisa boa!

Tive tempo para ler, escrever e curtir os filhos. Nestes seis anos escrevi três livros. Finalmente encontrei o estilo que procurava. Pelo menos um deles tinha certeza que era bom. O crítico Wilson Martins gostou. Mandei para uma editora. Ela me sacaneou. Mandou para um sujeito fazer leitura crítica e o tipo tirou de dois ou três capítulos de meu livro inspiração para fazer o dele anos depois e publicado pela mesma editora. Esta ladainha se arrastou por alguns anos. Eu já estava em Curitiba, quando o livro dele saiu. Fiquei tão puto que resolvi não escrever mais. Somava-se a isto um período de vacas magras financeiramente. Tava ruço.

Mas aconteceram duas coisas. Minha ex-mulher entrou para o curso de teatro da Faculdade de Artes do Paraná. Ela me pedia textos para a turma dela apresentar. Pequenas peças. Fazia porque afinal de contas ela também fez muitas coisas para mim e para os meus filhos. Fiz por solidariedade. O pessoal da FAP gostou e ela insistiu e eu mandei para um concurso de dramaturgia da Funarte. Entre sessenta peças a minha ficou em terceiro lugar em 2003. No ano seguinte outra peça ficou em segundo lugar. Esta foi a primeira coisa.

A grana dos prêmios nestes dois concursos me ajudou a equilibrar o orçamento doméstico. Achei melhor deixar de lado a promessa de não escrever. A segunda coisa começou na Copa do Mundo de 2002. O ilustrador Dante Mendonça fez projeto gráfico para o jornal O Estado do Paraná. Ficou bacana. Para a Copa, ele criou um suplemento diário. Entre as novidades, tinha uma coluna de crônicas chamada Café da Manhã, que eu editava. Cada dia um jornalista da redação escrevia um texto. Valia qualquer coisa. Impressões sobre a mãe do Ronaldo, o topete rídiculo dele, uma torcedora gostosa, o juiz ladrão, a cerveja quente, tudo.

Os leitores gostaram da coluna. Que desapareceu com o fim da Copa. Ela seria uma página virada não fosse o Millôr Fernandes. Ele tinha um espaço na página quatro do jornal, que era a do Mussa José Assis, diretor de redação. Ele tinha carinho por ela. Era ali que colocava artigos dos cientistas sociais, dos juristas, doutores das universidades, dos arcebispos e cardeais, dos senadores e conselheiros. A cereja do bolo da página era o Millôr Fernandes. Ainda naquele segundo semestre de 2002, Millôr ligou para o Mussa e informou que não ia mais fazer a coluna distribuída pela Agência Jornal do Brasil, a AJB.

O Jornal do Brasil andava mal das pernas, recebia a grana dos jornais e não pagava o Millôr. Um ano de atraso. Ele ficou de saco cheio. Se suspendesse e não avisasse os jornais, ele achava que corria o risco de ser o bandido da história. Para se prevenir avisou os jornais para que tivessem um tempo para se preparar. O Mussa não gostava de problemas. E quando aparecia queria resolver logo.

Ele chamou o Dante, os dois conversaram e por fim o Mussa disse: “Fala para o Edilson resolver isto”. Eu não tinha nada com a rapadura. Mas não podia dizer não. Solução a gente sempre arruma. A minha foi rápida: “Se o Millôr tá caindo fora, pega o Solda”. Solda é um talentoso artista gráfico, chargista, poeta e o escambau, da geração do Leminski, de quem foi amigo. Na realidade, ele foi amigo do pessoal dos anos 70 e 80 ligado a cultura em Curitiba.

Ele ficou fora de circulação por alguns anos por causa de doença do pânico. Só que se recuperou e estava produzindo muito e bem. Dante gostou da sugestão. O Mussa não gostou porque não queria gastar dinheiro. Era para eu arrumar outra. Eu disse para o Dante resgatar a coluna de crônicas Café da Manhã. Mussa gostou da ideia mas disse que a coluna ia se chamar Notas da Redação. Até aí, tudo bem.

Mas ele disse também que eu ia ser responsável por ela. E que seria bom que eu também escrevesse para dar exemplo para o pessoal da redação. Detalhe: eu não ia ganhar nada mais por isso. Entre 1998 e o final de 2003, até ganhar o primeiro prêmio da Funarte, eu vivia numa escassez de recursos danada. Qualquer caraminguá no orçamento era um alívio. Isto foi no final de 2002. E por isso fiquei muito chateado. Mas não podia recusar. Não ia arrumar encrenca com o diretor da redação.

Eu decidi: não vou fazer artigos epistemológicos, conjunturais, antropológicos e de natureza filosófica. Como andava de ônibus e ouvia histórias malucas, resolvi contar estas histórias. Abusei nos títulos. Alguns eram em latim, alemão, inglês e até japonês. Queria chocar. Mas não choquei. Para minha surpresa e também do Mussa, os leitores gostaram. Escreviam comentários e davam sugestões. E assim no final de 2002 comecei a fazer crônicas.

Tudo isto tem a ver com a coluna Fahrenheit. Mas o resto eu conto amanhã.

Eu vi ontem a versão de “O Grande Gatsby”, de 2013, com Leonardo DiCaprio e direção de Baz Lurhmann (que fez “Moulin Rouge”, em 2001). Primeiro vou falar do livro que vem antes do filme. O autor Francis Scott Fitzgerald saltou do anonimato do dia para a noite em 23 de março de 1920 quando publicou “Este lado do paraíso”, livro de estreia que retratava uma geração desiludida com a primeira guerra mundial e que descobriu na gandaia inconsequente a forma mais adequada de viver. São os loucos anos 20.

O livro foi sucesso imediato. O autor virou celebridade. Tinha apenas vinte e quatro anos. O sucesso subiu à cabeça. Fitzgerald achava com certa dose de petulância que já era um grande escritor e embarcou numa gandaia sem fim regada a álcool, festas, viagens. Só que não conseguia repetir o êxito inicial. O que o incomodava. Mas ele não conseguia escrever direito porque bebia muito, gastava muito e tinha que escrever contos para as revistas para ter dinheiro para continuar gastando. E sua mulher Zelda Sayre tinha menos juízo que ele. Formavam uma dupla do barulho.

Alguns anos depois Fitzgerald escreveu “O Grande Gatsby” publicado abril de 1925. O livro não chamou atenção. Nos vinte e cinco anos seguintes vendeu apenas 25 mil exemplares, embora tivesse ganhado versão cinematografica em 1926, produção da Paramount Pictures com Warner Baxter e Lois Wilson nos papéis principais e direção de Herbert Brenon. Era um filme mudo com uma hora e vinte minutos de duração e que no Brasil ganhou o título de “Tudo pelo dinheiro”. Esta tiragem era irrisória no mercado editorial norte-americano.

Quando morreu no dia 21 de dezembro de 1940 aos 44 anos em Hollywood em decorrência da vida regada a álcool e festas, Fitzgerald era um escritor decadente, praticamente desconhecido ou ignorado, enquanto seu oponente literário, Ernest Hemingway, vivia o apogeu da carreira. Era um grande astro. Ninguém se lembrava de Fitzgerald e muito menos de “O Grande Gatsby”. Depois da morte do autor ele foi aos poucos reabilitado, num processo que ganhou intensidade no final dos anos 40 e começo dos anos 50, enquanto Hemingway entrava em declínio, o que contribuiu para seu desespero que desembocou no suicídio em Ketchum no dia 2 de julho de 1961.

Fitzgerald não só continuou a crescer como escritor como Hemingway foi despencando. E o livro de 1925 tornou-se clássico. O que “O Grande Gatsby” tem que ver com isso? Tudo. O livro hoje vende todos os anos centenas de milhares de exemplares. Na minha opinião é o melhor livro sobre gângster embora não tenha assaltos a bancos e tiros de metralhadoras entre gangues. Ao contrário, é uma trágica história de amor. O livro se lê numa sentada. Gostoso, bem escrito, uma história bem resolvida. Quanto ao filme, vou falar agora.

Se for para ser rigoroso, poderia dizer que o filme não é grande coisa, disfarçado por uma fotografia luxuriosa e cenários exuberantes. A trilha sonora é um acinte. Modernosa e ignorando a rica sonoridade dos anos 20. Este o ponto fraco do filme. Mas no meio desta pandemia a gente fica sensível. Então vou começar a dar descontos. Além disso, gosto de Fitzgerald e do livro. Então a gente vê o filme torcendo para não ter complicação. Algumas coisas não dá para engolir. Lurhmann exagera no luxo. Mas ele sempre faz isso. Basta ver “Moulin Rouge”. Fica a impressão de que interpretou e não reconstituiu as festas dos anos 20. O que não é muito legal. Ficou excessivo.

Mas vamos deixar os defeitos de lado e ver o que se aproveita. Não sei se Leonardo DiCaprio é grande ator. Na realidade, Hollywood não trabalha com o conceito de grande ator, mas sim de astro e estrela, alguém que cintila no firmamento do show bizz e leva multidões ao cinema. O que move Hollywood é dinheiro e não talento. Eu diria que DiCaprio se enquadra na categoria de astro. No entanto, achei que ele até se sai bem como Jay Gatsby. Carey Muligan não compromete como Daisy Buchanan, embora senti falta do glamour irresponsável da personagem.

Joel Edergton está bem no papel do mulherengo Tom Buchanan, até porque o segredo da história e também do filme está na empatia entre o narrador Nick Carraway (Tobe Maguirre) e Jay Gatsby. E neste ponto a coisa funciona. Maguirre inclusive tem ligeira semelhança com Fitzgerald. A cara patética pega bem. Como vejo mais filmes antigos e poucos filmes recentes sempre me assusto com o ritmo alucinado das fitas de vinte a trinta anos para cá. Mas como no livro, o filme deixa uma lição sobre os ricos. O desdém em relação às camadas menos favorecidas da população. “Eles destruíam coisas e pessoas e depois se refugiavam em seu maldito dinheiro.”

Esta frase não deixa de martelar na cabeça nestes dias de pandemia. A histeria dos ricos pensando em seu dinheiro e querendo levar os pobres para um carnaval de contaminação do vírus. É isso aí. O filme foi um bom passatempo para passar o tempo enquanto este vírus que os ricos brasileiros trouxeram para dizimar os pobres de seu país não vá embora. E é uma forma de rever F. Scott Fitzgerald.

Além desta versão de 2013 e da primeira em 1926, o livro teve ainda duas outras versões cinematográficas. A segunda saiu de 1949 e no Brasil ganhou o título “Até o Céu Tem Limites” enquanto em Portugal se chamou “Cruel Mentira”. Direção de Elliott Nugent e Alan Ladd e Bety Field nos papéis principais. É considerado um dos dez melhores papéis de Ladd na carreira, embora a crítica não gostasse do desempenho de Field. Alguns historiadores considerarem esta a melhor versão do livro de Fitzgerald. Teve também uma versão de 1974 com Robert Redford e Mia Farrow, roteiro de Francis Ford Coppola.

Quem quiser conferir como eram as músicas dos anos 20 e que fariam melhor ao filme pode conferir o link abaixo:

A quarentena por conta do Coronavírus me impôs uma rotina diária de filmes da qual eu não me recordo nos últimos quarenta anos. Acho que só em 1979, quando vi cerca de 150 filmes, porque quase todos os dias passava pelo Cine Bijou, na Praça Roosevelt ou no Belas Artes, na Consolação, antes de ir trabalhar na Agência Folhas. Atualmente estou vendo uma média de três filmes por dia. E sem frescura. Quer dizer, não me fixo nos grandes filmes. O que cai na rede é peixe. O importante é passar o tempo e não entrar em pânico. Revi nestes dias muitos filmes que não canso de ver como “Blade Runner”, entre outros. E também bobagens que servem para divertir ou relembrar tempos de criança, como “John Carter – Entre dois mundos”, baseado em criação de Edgar Rice Burroughs. Lynn Collins é uma delícia de garota. Pena que é marciana. Agora de manhã vi na Netflix “Filmando Casablanca” sobre o diretor Michael Curtiz (Mihaly Kertesz) e os problemas que enfrentou durante a realização deste clássico do cinema americano.

O filme enche a bola de Curtiz, mas ele foi um diretor mediano em Hollywood. O cara fez um clássico às pressas e a contragosto. Por acaso. Primeiro, o diretor que os produtores queriam era William Wyler. Curtiz foi chamado porque era a quem Jack Warner recorria nas emergências. E aí o diretor chega e diz que queria Ronald Reagan no papel de Rick. Não rolou porque Reagan se alistou para ir a guerra. O papel ficou para Humphrey Bogart que a partir deste filme pulou de categoria. Foi dos filmes B para as produções principais. Curtiz achava Bogart sem graça. E assim a coisa foi indo na base do acaso e do improviso, a toque de caixa. Resumindo, Curtiz não era genial como Elia Kazan (Ilías Kazantzóglu), embora tenha feito 50 filmes na Europa e 100 nos Estados Unidos. Já Kazan entrou para a história do cinema por revelar Marlon Brando e James Dean, além de dirigir clássicos como “Sindicato de Ladrões”, “Um bonde chamado desejo”, “Vidas amargas”, “Clamor do sexo” e “Boneca de carne”. Agora, vamos considerar também que Curtiz não entrou para a história do cinema como um delator infame, pecha que acompanhou Kazan até o fim da vida por entregar colegas de esquerda no auge do Mccarthyismo.

Eu diria que Curtiz ganhou na Mega Sena com “Casablanca”. Sem este filme seria mais um diretor competente em Hollywood na chamada Era de Ouro do cinema americano. As filmagens de “Casablanca” duraram pouco menos de três meses. E foram num ritmo tão apressado e impreciso que até o fim Ingrid Bergman não sabia por quem estava apaixonada e com quem ia ficar. Na realidade, até o fim nem o próprio Curtiz sabia. Tanto que quando ela perguntou para ele, ele disse para ela manter aquele ar que quem não tinha certeza. No final ele rodou a cena que passou para a história. Ela amava Rick, mas foi embora com Victor Laszlo, o marido que era um guerrilheiro romântico. Terminada a fita, em 26 de novembro de 1942, em plena guerra, estreava em Nova York. E por causa da guerra, o filme demorou a ser exibido na Europa. Na Itália, estreou em 1946, na França, em 1947, na Áustria, em 1948, e na Alemanha Ocidental, em 1952, com cortes. Na Alemanha Oriental, somente em 1983 e ainda assim na televisão. Os brasileiros viram o filme em 7 de dezembro de 1942. onze dias depois da estreia em Nova York. “Casablanca” foi indicado a oito Oscars e levou três estatuetas: Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Roteiro. Com ele Curtiz ganhou o único Oscar da carreira.

Pois bem, o filme da Netflix sobre “Casablanca”, como disse no começo, foca Curtiz e os problemas para fazer a fita. Principalmente com um tal de Johnson, representante do governo americano que além de querer filme de propaganda tentou estuprar no corredor do estúdio a filha do diretor, com a qual Curtiz não se dava porque abandonou a mãe dela em Nova York e com quem nunca se daria. No meio disso tudo, exilados tentam descolar papéis e o diretor tenta tirar a irmã da Hungria, invadida pelos nazistas. A irmã, coitada, foi parar em Auschwitz com a família. Só ela saiu viva. Tem uma cena em que Curtiz enraba uma dona em seu escritório que colabora docilmente certamente na esperança de ser recompensada com algum papel.

Se alguém espera ver Bogart e Ingrid Bergman, desista. Aparecem de relance. O filme não é deles. É de Curtiz. Mas é divertida uma rápida cena em que Bogart anda pelo set com um tamanco de dez centímetros porque era baixinho e tinha que ficar mais alto para filmar. Melhor sorte teve Conrad Veidt e Dooley Wilson, o pianista negro. Interessante ver o trabalho dos roteiristas gêmeos Julius e Philip Epstein, bolando cenas no próprio set. O roteiro foi considerado o melhor da história do cinema. A cena dos anões também é divertida.

Enfim, para rechear uma quarentena, o filme vai bem. Até porque é produção recente. Mas eu temi pelo pior quando na abertura do filme entre cenas vintage me aparece o braço de um toca-discos caindo sobre os sulcos de um Long Play. Pensei na hora: “Caralho! Fodeu”. O filme é de 1942 e o chamado disco de vinil ou Long Play foi criado no dia 21 de junho de 1948 pelo engenheiro Peter Carl Goldmark, que trabalhava para a Columbia Records, para substituir os velhos discos de 78 rpm. Portanto, ele não deveria estar lá. Mas depois disso, a coisa rolou até bem.

O fotógrafo americano Seph Lawless – é pseudônimo para evitar problemas com os serviços de segurança nacional dos Estados Unidos – publicou um livro chamado Black Friday, com imagens assustadoras de shoppings centers abandonados em seu país. O livro causou impacto e acendeu uma luz de alerta no Brasil, onde este negócio de abrir shoppings centers em tudo que é lugar ainda está em alta. Mas também com resultados preocupantes. Nos Estados Unidos, 15 por cento dos shoppings centers vão falir ou serão transformados em outros espaços comerciais nos próximos dez anos. Os mais afetados serão os que não possuem grandes lojas de departamentos como âncoras. Ou seja, os shoppings são um modelo que está mostrando sinais de esgotamento.

Destes 15 por cento condenados, os que não forem transformados em outros espaços, correm o risco de se transformarem em ruínas. No Brasil o quadro é o seguinte: pesquisa do Ibope aponta que os 36 empreendimentos inaugurados no ano passado abriram em média com metade das lojas fechadas por falta de locatários. A entidade nacional dos shoppings centers informou que o Brasil tem atualmente 500 centros comerciais deste tipo e até o fim do ano mais 30 vão entrar em ação, a maioria fora das grandes capitais. No Brasil o problema da falta de locatários, segundo a entidade, deve-se ao fato de alguns shoppings serem abertos em área sem demanda para preencher a capacidade. E, também, porque o ritmo de crescimento do varejo não acompanhou o ritmo do avanço dos shoppings centers.

Pelos dois parágrafos acima se deduz que os shoppings centers também morrem e que o Brasil, aparentemente, está atingindo o seu teto de unidades para a atual demanda. Quadro que pode mudar para melhor ou para pior de acordo com a evolução do poder de compra do brasileiro. Foi o que eu entendi. No entanto, quando eu vi as imagens de Lawless eu confesso que fiquei chocado. Acostumado a entrar em shoppings e ver tudo bacana, até os sanitários são limpos, coisa rara no Brasil onde os espaços públicos com banheiros exibem um estado lamentável, principalmente as estações rodoviárias, por isso fiquei perplexo. Assim como ficaria se alguém me dissesse quando criança que um dia não iria mais existir cinemas com o formato de grandes teatros de rua, diante dos quais eu e meus amigos fazíamos filas enormes para ver um filme novo.

Eu sou do tempo em que a gente comprava alimentos em armazéns com dezenas de balconistas. Casas Moreiras, Alô Brasil, Casas Veríssimo e muitas outras na minha infância. Os bazares vendiam produtos para costureiras, havia lojas de brinquedos e as lojas de ferramentas. E carne era no açougue. Pão na padaria. Sapatos se compravam nas lojas de sapatos. E tinha as chapelarias. Lanches nas lanchonetes. Era tudo definido. As coisas começaram a se juntar anos depois, quando comecei a ficar adolescente e vieram estas maravilhas do consumo chamadas supermercados. A gente não dependia mais de balconista: podia pegar na prateleira, botar no carrinho, sem ninguém para olhar e reclamar e, depois, pagar no caixa, sem demora. E não precisava bater pernas por três ou quatro lojas para comprar vários produtos. Estava tudo ali. Que maravilha!

Até que na metade dos anos 70 começaram a aparecer os shoppings centers. Eles simplesmente sugaram tudo o que havia nos antigos centros das cidades: cinemas, óticas, livrarias, boutiques, lojas de perfumes, farmácias, lojas de calçados, tudo o que havia de melhor foi parar num shopping center, que ainda tinha como âncoras, grandes lojas. Andar nas ruas das cidades para fazer compras passou a ser, em muitos casos, coisa do passado. E agora fico sabendo que os shoppings americanos estão morrendo. A minha preocupação é com o novo modelo: se os shoppings centers entrarem em colapso, o que virá depois? A volta das lojas de rua? Eu não tenho a menor ideia. Mas pelas fotos de Lawless eu sei: os shoppings centers também morrem. Até os mais bonitos. Que coisa!

Publicado na Tribuna do Paraná no dia 28 de maio de 2014.

Entrevista publicada pela Tribuna do Paraná em 17 de abril de 2015.

O jornalista e escritor Edilson Pereira acaba de lançar seus dois novos livros: O Português os olhos verdes e Uma Mulher muito perigosa – no formato “dois em um”. Os romances têm como protagonista o detetive curitibano Lindomar Stenzel, criação do próprio Edilson, uma mistura romântica dos galãs do cinema noir e o Vampiro de Curitiba.

Confira abaixo o bate-papo com o escritor.

A literatura policial é seu “carro-chefe”, mas você também escreve poesia. Apesar das diferenças entre os gêneros, você caminha com naturalidade entre os dois. Por que você decidiu se dedicar aos contos policiais (que muitas vezes – e erroneamente – é considerado um subgênero)?

Eu não diria carro-chefe. Aconteceu de eu ter começado a publicar ao mesmo tempo em que fazia algumas séries sobre crimes para a Tribuna do Paraná e achei oportuno registrar em livro histórias que foram publicadas nas páginas do jornal e outras que havia escrito e estavam na gaveta. Durante muito tempo houve realmente certo preconceito com a literatura policial. Mas a cortina foi rasgada há tempo. No meu caso todos estes gêneros se cruzam porque de certa forma sempre estive entre eles. Há quinze anos me dediquei à dramaturgia e fui laureado duas vezes pela Funarte. Tenho doze peças. Mas por volta de 2005 eu já acumulava contos do gênero crime e mistério suficientes para publicar um livro. E publiquei em 2012 “Uma profissão tão antiga quanto a tua”. Por volta de 2007, a Tribuna se interessou por folhetins. Escrevi o primeiro, A Dama do Largo da Ordem, que começou a ser publicado em 2010. Animado com a publicação, escrevi mais quatro. Depois, com o fim de O Estado do Paraná, passei a escrever histórias de crimes e paixão tiradas da vida real. As séries tiveram boa repercussão, a vida real alimentava a ficção. E foi assim quase naturalmente que o trabalho evoluiu nesta direção.

Os livros têm como protagonista Lindomar Stenzel. Curitiba é habitada por diversos personagens míticos, desde vampiros a super-heróis e Stenzel também faz parte desse cenário. Como surgiu a ideia de criar um detetive tipicamente curitibano?

O nome da novela é “Breakfast at Tiffany’s”. O nome do filme dirigido por Blake Edwards e lançado em novembro de 1961 no Brasil também é “Breakfast at Tiffany’s”. No Brasil, o filme ganhou o título de “Bonequinha de Luxo”. E quando a novela foi traduzida ela também ficou com este nome. Faz sentido. A tradução bem literal do título original seria algo como “Café da manhã na frente da Tiffany’s”. Sem graça e longo demais. Sem contar que a personagem central, Holly Golightly, interpretada muito bem por Audrey Hepburn, talvez em seu melhor papel no cinema, era o que veio a ser chamado muitos anos depois de garota de programa. Ou, para sermos mais objetivos, uma prostituta.

Se bem que no caso dela empenhada em casar-se com um milionário. Inocente, ambiciosa e fútil, ela tem tiradas simplesmente fantásticas. A história original é de Truman Capote. Uma de suas primeiras. E antes, claro, de escrever o clássico “A sangue frio” (depois deste livro não escreveu mais nada que prestasse). A novela “Breakfast at Tiffany’s” saltou de um lugar acolhedor entre dezenas de títulos da literatura americana para um lugar de destaque. Graças ao cinema. Que projetou autor e história para milhões. Acabei de reler o livro e vi o filme dezenas de vezes. Edwards fez uma obra-prima romântica utilizando recursos como roupas desenhadas por Hubert de Givenchy e deu ainda mais amplitude a um clássico da canção americana, “Moon River”. Que, por sinal, não está no livro. As canções que Holly canta tem mais a ver com as de Woody Guthrie. Aliás, cantor de sucesso na época em que a história se passa originalmente, primeira metade dos anos 40. Em plena guerra.

George Peppard (um de meus atores faroritos na adolesência) está perfeito no papel de Paul Varjak, um sujeito que quer ser escritor de sucesso, mas continua insitindo porque é sustentado por uma ricaça chamada Mrs. Failenson, interpretada por Patrícia Neal. Uma visita dela rende 50 dólares. Uma história que custou alguns dias e foi vendida milagrosamente para uma revista rende 15 dólares. Não dá para viver assim. Mickey Rooney no papel de Sr. Yunioshi, está muito engraçado. Tudo bem. Filme bacana, livro bacana. Poucas vezes o cinema usou tanto de um livro quanto em “Breakfast at Tiffany’s”. Está quase tudo lá. É impressionante. Chega a ser espantoso porque o cinema é o grande traidor da literatura. Paga bem por direitos autorais, mas faz o que bem entende.

Mas, como no caso do escorpião, o cinema teria que trair a história original em alguma coisa. No livro Holly é bissexual. Pelo menos deixa bem clara a sua bissexualidade pelo menos uma vez. Não aparece isto no filme para não tirar o verniz romântico da história. E mais: no livro o escritor não tem nenhuma amante ricaça. Na realidade, o escritor é gay, baseado no próprio Truman Capote. E não fica com Holly no final da história, embora o gato abandonado se dê bem no final do livro e do filme. No filme o escritor é um garanhão. Romântico ainda por cima. Chuta a ricaça e fica com a garota romântica, encrenqueira e querida. Edwards fez a coisa certa. O filme é maravilhoso. E Capote também fez a coisa certa. A novela é maravilhosa. Acontece que cinema é cinema e literatura é outra coisa. É a obra dele da qual mais gosto, embora “A sangue frio” seja um clássico do jornalismo literário e coisa e tal. Também gosto do filme. Neste caso, o cinema traiu a obra literária para dar a ela uma amplitude que jamais teria se ficasse nas páginas do livro. Claro que o cinema está perdoado.

Por Jorge Moreno Pinaud

A cultura de massa constitui uma apropriação de narrativa cultural que se estabelece em relação ambígua em torno da chamada cultura “alta”: conecta diversas manifestações em torno de um gênero que se populariza e toma elementos de qualquer formação sociocultural para estabelecer um discurso corrompido, não transparente para uma elite que vê na hibridação genérica uma malformação de seus valores estético-políticos. Mau gosto, kitsch, constitui a negação de consideração estética que estabelece certa hegemonia que na medida em que tem a centralização do poder, exerce-o em todas as área que pode: seu discurso do bom gosto é o parâmetro de seus valores.

Assim, a definição de kitsch, como “inadequação estética” (Santos, 2001:97) codifica a cultura de massas em um aposição formal que termina por neutralizar sua política subversiva: termina por macular sua historização cultural da luta de classes. A nomeação do mau gosto constitui uma subjetivação da luta social na caracterização dos gostos como uma distinção que “define o mais alto grau daquela competição, caracterizada pelo bom gosto, também definido como ‘bilinguismo culto’. Esta seria a capacidade (…) de fazer distinções entre códigos, isto é, diferenciar os repertórios culturais que dominam as diferentes classes sociais” (idem: 106).

Durante a leitura de Metamorfose de Franz Kafka o leitor vai sendo assaltado por um horror crescente, na realidade um desconforto que se torna insuportável, como a dor de um doente. O leitor se sente solidário com Gregor Samsa e deseja que ele se livre daquele pesadelo que a cada página parece mais real embora também se pareça inacreditável e infactível. Afinal, um homem não pode se transformar num inseto de um dia para uma noite. E acordar um enorme inseto de uma noite para um dia. O tormento não pode continuar. É insuportável. Para Gregor Samsa e para o leitor. É, naturalmente, inaceitável. Como uma doença. Com a qual nenhum homem pode conviver. E por isto aquela situação não pode perdurar eternamente. O leitor e Samsa em sua angustia deseja a supressão daquele estado. E ele acontece. Com a morte. A morte que liberta o corpo de todas as dores e angustias e sobre o espírito ainda permanece a dúvida eterna. No final do livro, há a triste redenção para Gregor Samsa. E o alívio para o leitor com a morte daquele personagem bizarro. Então o leitor, aliviado, como a família de Samsa, se dá conta de que o tempo todo esteve ao lado dela. Da família que desejava se livrar daquele intruso. E não de Samsa porque no fundo, depois de algumas páginas, o leitor já suspeitava de que a jornada angustiante de Gregor Samsa não teria desfecho feliz. A história do pobre Gregor Samsa talvez seja uma metonímia da história de todo homem. E a do leitor seja a expectativa angustiante que todo homem tem diante de sua própria história. O leitor, como Samsa, também está sozinho no mundo. E a família é apenas um equívoco ilusório contra esta solidão.